Empezaré desde donde me quedé. Cuando entré al taller de producción, yo quería hacer objetos, como juguetes, que siguieran el principio de persistencia retiniana. un día llegué con mi cajita de zapatos en la cual yo traía u motor que habia fabricado. Empecé haciendo un motor, un experimento sencillo de física, que al  mismo tiempo era un tuamatropo. Yo lo llamaba el moto-taumatropo. Yo quería ir por el lado de ilusión óptica. Así que diseñé una especie de molino que giraba. Al final, encontré resultados inesperados, pero me di cuenta que no era lo que estaba buscando.

Así empecé a creer que era un artista del movimiento. Revisé el trabajo de artista cinéticos, como Jesús Soto y Cruz Diez. Por un momento quise dedicarme al ilusionismo, ser una especie de mago, un artificie. Tomando de base una pieza de Jesús Soto, diseñé un molino que se conectaba a un motor. Con la ayuda de un circuito de luces intermitentes trataba de lograr la ilusión de la persistencia retiniana. Los resultados fueron inesperados, a veces lo improbable nos sirve para el desarrollo de nuestro trabajo.  

Siguiendo el principio del movimiento, y por querer relacionar todo mi cuerpo de obra; quise hacer una obra que girara en torno al recorrido. Ya que me sentía en constante movimiento, no me podía mantener en un lugar fijo durante mucho tiempo. Tomando como base el recorrido como medio de expresión decido tomar un recorrido que hago repetidas veces. El viaje que hago de Cuernavaca a D.F., se trataba de recolectar objetos, tomar registro de rastros de recorridos y de presencia e algún asentamiento humano. La parte importante y esencial de esta etapa del proceso es la conformación de una bitácora. Con dibujos, fotos, recortes, anotaciones de impresiones y frases empecé a implementar el uso de una bitácora.

Fue así que salí a caminar a la carretera. Des pues me di cuenta que no era lo mío estar deambulando solo por el campo. Siguiendo la deriva situacioncita y la flanerie dadaísta, quería sustentar esa empresa, decidí que la deriva puede efectuase en la ciudad. También en la ciudad se pueden encontrar objetos. El objetivo se convirtió encontrar objetos que hablaran de la ciudad. Con esos objetos quería mostrar la psicogeografia del lugar, objetos que hablen sobre los acontecimientos que suceden en un determinado lugar. Empecé a registrarlos en mi bitácora.

Después me di cuenta que la elección azarosa podía efectuarse casia cualquier objeto. Así que empecé a dibujar objetos de mi casa y de la escuela, de los espacios en los que me desenvuelvo. Dentro de la bitácora empecé a mezclar esas imágenes junto con palabras. Una de las cosas muy importantes del proceso y que fue determinante para el surgimiento de esta serie, fue que empecé a recolectar frases. Gracias a ello pue darle forma a algo que siempre estuvo ahí pero que tardaba en encontrar.

Es como se conforma el proyecto. Éste, consta de la recopilación de frases que hacen alusión a una actitud frente a la vida, combinándolas con imágenes de objetos que son comunes en los espacios en los que suelo desarrollar mis actividades diarias como estudiar, trabajar y vivir. Las frases son sacadas de libros, de poetas, proverbios populares, filosofía zen, de personas que he escuchado decirlas. Los objetos, como he dicho hace un momento, son objetos cotidianos. Creo que el arte es un estilo de vida, y en ese estilo de vida se crea un personaje. En la vida real también se crean personajes, nos la pasamos creándonos un personaje para enfrentar las situaciones que nos pone la vida diaria. Esta situación puede ocurrir de manera inconsciente o consciente. De esta manera, con la obra, pienso proyectar una actitud frívola y a la vez profunda, que sea honesta pero al mismo tiempo cínica.   

A partir de módulos, que son cada bastidor de 21.59cm por 27.94cm, pienso conformar una pieza en forma de calendario, uniendo cada composición con la otra. La obra la constituirán 30 módulos. 

Reflexiones en torno al paisaje

…cuando Carducci dice “el silencio verde delos campos” está diciendo algo tan cerca y tan alejado de la realidad inmediata como si dijera “el silencio de los verdes campos”…

Jorge Luis Borges

Si te alejas de la ciudad y te adentras a un bosque; escucharás el silencio. Gracias al silencio escucharás una variedad de sonidos imposibles de percibir en el bullicio de las calles. Alguna vez, dentro de mis recorridos en el bosque creí volverme loco. Recuerdo alguna noche cuando todos estaban dormidos en mi casa y no podía dormir; el silencio penetraba en tus oídos como un zumbido y el crujir de la puerta de madera resonaba en la penumbra. Así, los arboles crujían, se movían y tronaban; en una pausada danza con el viento. Éste, a su vez, se hacía presente con su fuerza; surcando el vacío de un extremo al otro del bosque; haciendo un sonido un poco aterrador y un tanto fascinante. El paisaje rural y el campo me llenan de sosiego. Hablar de paisaje no sólo se trata de encontrar la mejor vista; el paisaje no tiene que ver sólo con mirar.

Busco un punto y me establezco; un punto lo suficientemente alto para que el ambiente cambie. Aquí, el viento tiene más fuerza, es mucho más frío y el ruido del follaje de los arboles es más nítido; los helechos y los matorrales también. A lo lejos se escuchan los perros y los balidos de una cabra contrastan con el rugido del motor de un tráiler. El paisaje no sólo tiene relación con mirar, no sólo es una vereda, ni una montaña, ni un bosque, ni una ciudad; el paisaje es uno  mismo. El paisaje lo creamos y él nos crea a nosotros.

Desde un punto de vista romántico empecé acercarme al paisaje. Convertirse en paisajista conlleva tener un espíritu aventurero y un afán por los viajes. Encontrar un lugar, cualquier lugar digno de representarse es el resultado de un largo caminar. Así, salí a caminar como hicieron los pintores impresionistas; al aire libre. De esta manera, caminar se convierte en un acto creativo que va de la mano con la contemplación. Entonces, cómo abordar el paisaje sin parecer un antiguo romántico o un impresionista anticuado. Es algo en lo que no me había detenido a pensar sino hasta hoy. En realidad yo nunca quise dejar de serlo.

La ciudad ofrece muchas tentaciones, como negarme a la tentación de probarlas; lo mismo pasa con el arte. Mi mente deambulaba de la misma forma que mi cuerpo divagaba por la ciudad; perdido, en alguna calle de la ciudad; somnoliento, en algún paraíso artificial de esta gran urbe. De igual manera, perdido en diferentes espacios del arte; es como he ido conociendo. Un día creí que era pintor, otros me sentía un fotógrafo; nunca he podido mantenerme en un sólo lugar. Incluso, nunca he vivido más de seis meses en un departamento. Estoy en un sendero y los caminos se bifurcan. Tomo la desviación y los caminos nunca vuelven a encontrarse.

El cambio fue drástico. La ciudad es muy grande; apenas hoy me estoy acostumbrando a su ritmo. El paisaje es muy diferente, y su forma de experimentarlo también. Aquí, en DF nunca pude hacer la pintura al aire libre; la ciudad es tan cambiante que no podía concentrarme. Es difícil encontrar un lugar tranquilo y aparentemente estático. La ciudad siempre está en movimiento, parece que nunca duerme.

Mi historia, es la de un provinciano que vino a la capital a buscar nuevas oportunidades. Mi ciudad natal es pequeña pero muy cercana a la capital. Mi objetivo, entrar en la verdadera competencia y conocer la escena del arte. Para mi sorpresa, esa escena resulto ser un mundo superficial y déspota; aunque eso es lo de menos. Es por eso que en los últimos meses ha empezado a importarme lo efímero y a dedicarme a la contemplación; a caminar, divagar, deambular, vagabundear; a no hacer nada. Para alguien que se encuentra perdido como yo; deambular es el primer paso, me la paso deambulando: en la casa, en la ciudad, en la escuela, en mi mente.

La internacional situacionista de 1957 reconoce el perderse en la ciudad como una posibilidad expresiva de perderse como forma concreta de anti arte.

Es a partir del recorrido por la ciudad y el campo, que hago ver su diferencias y semejanzas; de manera similar a los dadaístas, siendo un especia de flaneur posmoderno.

Flaneur: personaje efímero, rebelándose contra la modernidad, perdía el tiempo deleitándose con lo efímero y lo absurdo en sus  vagabundeos de la ciudad. Dadá eleva la tradición de la flanerie al rango de operación estética.

Ha diferencia que haré también recorridos por el campo.

Por medio de la deriva, la manera situacionista, y con una orientación hacia lo efímero conformaré una bitácora.

Se acuña la nueva palabra le dérive; una actividad lúdica colectiva, propone investigar apoyándose en el concepto de psicogeografía, los efectos psíquicos que el contexto urbano produce en los individuos.

Si es posible retomar la pintura

Historia del arte cinético

A principios del siglo XX varios movimientos surgieron que exaltaron el movimiento como un valor estético dentro de sus propuestas. De estos movimientos destacan el futurismo, cubismo, constructivismo, dadaísmo,  bauhaus, suprematismo.

Alrededor de 1910, los futuristas italianos hicieron de la velocidad y el movimiento mecánico un ideal estético y moral.” Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido con una nueva belleza, la belleza de la velocidad…un coche de carreras con su capó adornado con gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo... un automóvil rugiente, que parece correr sobre la ráfaga, es más bello que la Victoria de Samotracia”. El suprematismo el cual Kasimir Malévich redacta el manifiesto en 1915, se refiere en cuanto a él a un movimiento cósmico, suprasensible, dando a experimentar, a través de sus composiciones, la vibración universal, la excitación de la materia tal que ella se manifieste en cada una de sus partículas, hasta en el movimiento de los planetas.

El manifiesto realista publicado en Rusia por los hermanos Naum Gabo y Anton Pevsner en 1920, inaugura el constructivismo, haciendo del movimiento un medio autentico. La idea de concebir objetos que conjuguen movimiento, espacio y luz en un solo lugar es presentada como portadora del espíritu moderno. Más allá de las teorías que le son ligadas, el empleo del movimiento en las artes encuentra ya su puesta en escena en el proyecto del monumento de la tercera internacional de Vladimir Tatline concebida ese mismo año. Importadas ala Bauhau de Weimar entre 1921 y 1924 con la llegada de nuevos doscentes particularmente Paul Klee, Vassily Kandinsky después Laszlo Moholy-Nagy, las ideas del constructivismo son posteriormente difundidas a través de toda Europa y Estados Unidos.

Naum Gabo, Anton Pevsner, Lazar Lissitzky, Alexander Rodtchenko, ponen su ideas en acción a través de realizaciones pictóricas y volumétricas; el movimiento es a veces significado por relaciones de formas, de colores y de materiales, a veces generado por vibraciones ópticas y éstas mismas concretamente puestas en la obra de Naum Gabo. Desde 1920, Gabo realiza una de las primeras esculturas motorizadas, compuesta de una bola y un hilo girando rápidamente sobre sí misma de tal manera, que con la rotación del hilo, un volumen virtual aparece.

http://mediation.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-cinetique/ENS-cinetique.html

ejercicio

boceto 1

oriente u occidente

arte cinético

El movimiento del movimiento

El arte cinético proviene del interés de hacer del movimiento un medio de expresión totalmente a parte y de liberar la creación tocando un público hasta entonces excluido por una tradición considerada intelectual. Varios artistas y varios grupos formados con los mismos principios fueron los protagonistas de esta tendencia.  En 1960 Daniel Espoerri organizó exposiciones junto con Jacoov Agam, Josef Albers, Pol Bury, Marcel Duchamp, Bo Ek, Karl Gestner, Heinz Mack, Fran Malina, Enzo Mari, Bruno Munari, Man Ray, Dieter Roth, Jesús Rafael Soto, Jen Tinguly y Victor Vasarely. 

Esta tendencia floreció en países como París, Padou, Milán, Düsseldorf, Holanda, Moscú  y Estados Unidos ; la mayor parte de estos grupos tenían en común un interés por organizar exposiciones colectivas y llevar su arte a fuera de los límites de las galerías y de los museos.

La expresión arte cinético se ocupa en prácticas diversas, tanto puede referirse a obras motorizadas como a obras modificadas por la intervención de espectadores o por elementos naturales tales como el viento y el agua (o el magnetismo y la electricidad).

El término Op Art se instaura en Europa a partir de 1965 en concurrencia con el de arte cinético, es importada de los Estados Unidos. La expresión tiene su origen en la abreviación de optical art usada en Inglaterra para designar a aquellos trabajos cuyo eje central eran los juegos ópticos.

El término aparece por primera vez en la revista TIME’S en 1964 y se generaliza el año siguiente, enseguida de la apertura del MoMA de New York  en la exposición considerada como fundadora del Op Art, The Responsive eye. Organizada por su director, William C. Zeitz, esa exposición fue montada en colaboración con la galería Denise René que aportó cerca de la mitad de las obras presentadas.

Sea arte cinético u Op Art, ambas expresiones engloban una tendencia en relación al movimiento y a fenómenos psicofisiológicos que presentan una interacción diversa con el espectador  a casusa la relación subjetiva y perceptiva de cada individuo. No obstante, este movimiento artístico tiene sus orígenes mucho antes del siglo XX.

http://mediation.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-cinetique/ENS-cinetique.html

pre-cine

La era pre-cinematografica abarca las tecnologías e instrumentos que dieron origen al cine. Estos artefactos o juguetes eran utilizados por artifices, saltimbanquis y actores para impresionar divertir y entretener al público mediante imágenes en movimiento.El taumatropo, el zootropo y elpraxinoscopio fueron algunos de los inventos que precedieron al cinematógrafo.http://www.antiquus.es/p-66/Juguetes-Opticos/Otros-viejos-ingenios/Taumatropo Otro descubrimiento importante fue el descubrimiento de la persistencia retiniana por Peter Mark Roget que en 1924 publicó un importante tratado que sostenía que el ojo humano retiene las imágenes por un fracción de segundo. el motor eléctrico es un dispositivo que transforma la energía eléctrica en energía mecánica por medio de la acción de campos magnéticos generados en sus bovinas.http://es.wikipedia.org/wiki/Motor_eléctrico

ejercicico de audio

mi sitio en sounc cloud

arte del ruido

Hoy en día, la gama tonal de ruidos ha incrementado lo suficiente como para crear ambientes desconocidos por el oído humano. Sin duda, Russolo nunca hubiera advertido los grandes cambios en la tecnología. Ahora no sólo disponemos de los ambientes auditivos que proporcionan los motores, las fabricas, los coches, la ciudad y el campo, también tenemos maquinas y ordenadores que justamente su función es crear sonidos, ordenarlos y sintetizarlos.no solo se cuenta con estos sistemas, sino que también gozamos de super micrófonos, capaces de captar frecuencias inaudibles por la raza humana, si Russolo se jactaba de que en su tiempo los sonidos proliferaban formando una nueva generación de ruidos,no se compara con la gran cantidad de mundos sonoros ,inaccesibles para el oído humano de no ser por la extensión de los sentidos, creadas por él mismo. Los ruidos se multiplican más y más, no hay limite para el arte ni para la ciencia, nuestras posibilidades son inmensas ante ésta situación, tenemos todo los recursos suficientes para reinventar los sonidos, no solo imitándolos, sino distorsionando su fecuencia y su estructura.

la invención de morel La frase más enigmática , "la eficacia de la radiotelefonía , con respecto al oído, era la compensación del espacio cuando el sonido se desplaza mas rápido a grandes distancias,". La extensión de los sentidos ha sido la consecuencia de las maravillas producidas por el desarrollo de nuevas y más avanzadas tecnologías.Dentro de toda este proceso, entre más extendemos nuestros sentidos, mas nos alejamos de la sensación. Poder extender nuestros sentidos implica el detenerse a pensar detenidamente,cómo podemos extender nuestros sentidos. Un ejemplo muy fácil es el de la fotografía, ésta se volvió un compensador de la vista, nos permitió poder retener un instante fugaz e irrepetible. La capacidad de la fotografía de retener la luz reflejada y convertirla en información, que deriva en un producto llamado imagen es lo que hace que lo etéreo se vuelva imperecedero. Parece no haber ningún peligro, pero qué ocurre con la televisión , ella nos brinda todas las propiedades de la fotografía, pero en ella se agregan el sonido y la posibilidad de la inmediatez. La televisión transgrede a discreción, ya que nosotros somos la que le permitimos entrar en nuestro entorno íntimo.La televisión se vuelve un instrumento de educación y adiestramiento,a favor de los que poseen los medios televisivos, y por si fuera poco es un comercio en el cual no todos pueden participar, ya que la televisión no tiene la cualidad de ser un medio libre, a diferencia de Internet.Los sentidos se transforman con la televisión, nuestra manera de sentir también puede ser manipulada, pero eso no respecta a esta vaga reflexión. La eternidad , difícilmente los hombres han podido explicar algo tan complejo, la eternidad se relaciona con la permanencia y la trascendencia. La trascendencia, cualquier tipo de trascendencia, se suscita con solo dejar una huella,un rastro . La permanencia será un intervalo a dos puntos en la línea del tiempo, la huella podrá ser examinada, percibida hasta que el intervalo se termine. La eternidad parece inalcanzable. Difícilmente no se puede llegar a la eternidad sin repetir un siclo. Por siempre un presente continuo, suena tedioso y aburrido, desde los suplicios del infierno,hasta el tesoro del paraíso, recalcando que los dos lugares serían un castigo. Ahora nuestra trascendencia puede ir mas allá de la atmósfera terrestre, ondas de radio pueden mandarse hacia el espacio exterior con mensajes e información. Ciertamente la invención de Morel sobrepasa cualquier limite, en cuanto que puede reproducir y remitir todos los sentidos, aunque para que esto sea posible fuese necesario el alma de los seres vivos. También se abordan problemáticas de espacio y temporalidad temporalidad, cuando habla de las proyecciones del museo sobre el mismo museo, combinan las reglas del espacio y tiempo, como que dos objetos no pueden ocupar el mismo espacio en un mismo tiempo.

gif animado

qué son los nuevos medios

Se ha hablado mucho acerca de un cambio en la función y la tecnología del arte en el mundo de la reproductibilidad.
Sobre lo llamado "new media", se habla mucho de una revolución tecnológica y cultural, pero más importante, sobre un cambio de percepción.
El desarrollo de la tecnología ha alcanzado niveles insospechados, han hecho que la forma de vida de la humanidad se adapte a esos cambios y que también se transforme.
La llamada era digital ofrece universalidad y un ilimitado intercambio de datos que han transformado el campo de lo visual y también del arte. Las fotografías, los vídeos y las imágenes que circulan en la red son prueba de ello, ahora uno puede ver algún monumento, alguna ciudad, alguna obra de un artista famoso, sin la necesidad de estar presentes físicamente en el lugar de los hechos. También se habla de la extensión de los sentidos a través de computadoras, cámaras digitales, teléfonos celulares que en realidad son pequeñas computadoras.Se habla un poco de la reducción del radio de la percepción humana y de un temor a sensaciones virtuales.
Los nuevo medios nos ofrecen la posibilidad no solo de experimentar el arte a través de la vista, sino estimular nuestros demás sentidos,de no solo ser un espectador sino un protagonista, la edificación de mundos virtuales que promueven la entrada de la inmersión e interacción en el campo de las artes.*
 * "new philosophy for new media" Mark B. N. Hanser

Interacción

La utilización de las nuevas tecnologías, como la de la información y la digital, desencadenan la aparición de un mundo de nuevas posibilidades expresivas, entre ellas la interacción, la interacción con objetos o con espacios virtuales.

“El mundo de la tecnología, en especial la tecnología de la información, ofrece diversas posibilidades para el arte debido a los nuevos espacios sensoriales que ofrece la naturaleza de la obra de arte digital, la cual podemos colocar dentro del orden de lo virtual”[1]

La gran novedad de los nuevos medios es la capacidad de realizar un escenario virtual, acercándose por mucho a la expresión de dar vida a una imagen, podemos tener la certeza de que  no hay vida dentro de la imagen, como también podemos asegurar que esa imagen simula tener vida. Ésta nueva vertiente o disciplina artística parece sacada de una novela de ciencia ficción, pero es uno de los tantos cambios propiciados por  la tecnología de la información.

En la obra de Catherine Ikam se hacen presentes estos cambios, que hacen de la percepción de la imagen una nueva experiencia. http://www.finearttv.tv/en/fine-art/digital-art/catherine-ikam-and-louis-fleri-digital-diaries. Una nueva experiencia que se basa en la interacción de una simulación en tiempo real.

“Ese nuevo régimen de visibilidad al que se refería Virilio es aquel que integra técnicas de representación en tiempo real y modifica la percepción sensorial”[2]

Los rostros de Catherine Ikam presentan características propias que ella misma ha creado a través del método de cyberware[3], que es un scanner que puede captar la información de un volumen en el espacio. A estos rostros los ha programado para que reaccionen con los gesto de un espectador. El espectador al mirar el monitor, que es un espacio simulado, se encuentra con un rostro que imita sus gestos. El gran paso de los nuevos medios, tener un imagen que se mueve e interactúa en tiempo real. Esto reconfigura nuestra percepción del espacio y de identidad:

“El cuerpo como imagen antropomórfica de síntesis, construido en base en un deseo y voluntad propia y que, a su vez, desencadena una reconstrucción sobre la idea de identidad en la era digital, una identidad que deambula entre lo vivo y lo artificial….La tecnología es el medio para hacer nuestras fantasías reales.”[4]

 La obra de Ikam “el otro “se ha convertido en una innovación dentro de las artes visuales. Ésta artista francesa, tiene una formación en pintura y cine de animación, y fue impulsada por Naim Jum Paik para incursionar en el video arte.

Su trabajo “el otro” desencadena reacciones inquietantes dentro del espectador, una reacción diferente la que se tendría al percibir un pintura o una escultura tradicional, sobrepasa por mucho las posibilidades de la pintura y la fotografía. Éstas generan una melancolía por la representación del momento capturado, un instante que ya no está, un recuerdo, una marca de algo que surge a través de la contemplación de un lugar, un paisaje, un rostro ausente. En el arte de Ikam, la melancolía no tiene nada que ver con un momento fugaz, si no que es generada a través de la relación entre lo virtual y lo real, el mundo análogo y el mundo digital, y que esa melancolía simplemente se remite al tiempo real:

“La melancolía es el espacio que surge entre la imágenes análogas y la imágenes digitales…por lo tanto, podemos catalogar el trabajo artístico de Ikam… que juega con la confusión posible…entre lo real y lo virtual entre orgánico y lo inorgánico.”[5]

La tecnología de la información modifica nuestras vidas. Modifica el espacio, la distancia, nuestra relaciones interpersonales, el concepto de individuo y globalidad. En nuestro caso es el arte el que está sufriendo un cambio. Muchos podrían pensar que este cambio viene desplazar a la pintura y las artes tradicionales, pero mi creencia es que la pintura solamente desaparecería cuando los humanos evolucionemos más allá de nuestro cuerpo, y así no solo desaparecería la pintura, si no muchas cosas más.

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[1] Karla Jasso. “arte, tecnología y feminismo”. Nuevas figuraciones simbólicas. Universidad Iberoamericana. México, 2008.

[2] Ibíd.

[3] http://www.cyberware.com/

[4] Karla Jasso. “arte, tecnología y feminismo”. Nuevas figuraciones simbólicas. Universidad Iberoamericana. México, 2008.

[5] Ibíd.

Nuevos medios.

Nuestros ojos cambian, no hablo de sus características fisiológicas, sino que  nuestro sentido de la vista cambia con el desarrollo de las nuevas tecnologías.

Nuestros sentidos son engañados por ilusiones. La credibilidad de una imagen es dudosa. Lo real es lo irreal y viceversa. Vivimos en un mundo de ilusiones, la alegoría de la caverna de Platón  se hace latente en el ciberespacio y la llamada era digital; donde las sombras son números. Lo que se encuentra dentro de ella son ilusiones, simples reflejos de lo que es palpable para nuestros sentidos.

Los desarrollos tecnológicos, abren un nuevo campo de posibilidades expresivas, que aparecen como una nueva rama en el arte. Ésta se conforma por la información y una base de datos que puede ser percibida a través de una interfaz. La información es usada para crear funciones (interacción) y efectos visuales, para la creación de objetos e imágenes.

La sustitución de cualquier herramienta usada para la expresión: pincel, tijeras, filtros, etc. Por su contraparte computarizada, está desplazando los métodos tradicionales:

“In the world of design today, computer programs have taken over many traditionally human intellectual tasks, leaving less and less tasks for traditional designers to do…such as rendering, paper cutting, or sculpting, the list of tasks diminishes day by day only to be replaced by their computational counterparts.”[1]

Hay quienes opinan que el desarrollo de la tecnología es una amenaza no solo contra los métodos tradicionales, sino también para la humanidad. Pero centrándonos en el arte, las mismas creencias se tenía con el surgimiento de la fotografía con respecto a la pintura, y sin embargo ésta se ha mantenido, y en cambio también se ha beneficiado con los descubrimientos de la ciencia.

En cuanto a los nuevos medios, las nuevas aportaciones que hizo en el  mundo del arte son: la interacción, la simulación y la realidad virtual.

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[1] Terzidis, Kostas. Algorithms for Visual Design Using the Processing Language. Wiley Publishing, Inc. 2009